Comentarios historia del arte resueltos

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Banco de comentarios de arte

La forma del tiempo: Remarks on the History of Things es un libro breve de George Kubler, publicado en 1962 por Yale University Press. Presenta un enfoque del cambio histórico que desafía la noción de estilo al situar la historia de los objetos y las imágenes en un continuo más amplio. Kubler propone nuevas formas de secuenciación histórica en las que los objetos y las imágenes aportan soluciones a problemas en evolución. Kubler expone una perspectiva en la que los procesos de innovación, replicación y mutación están en continua conversación a través del tiempo.

Kubler comienza el capítulo hablando de “Las limitaciones de la biografía”, donde expone los problemas que se plantean cuando se piensa en los objetos a través de las historias de sus creadores[1]. Dentro de esta sección analiza la importancia del punto de entrada del creador individual en la historia en curso de sus objetos, el papel de las metáforas biológicas y físicas, y la relación entre científicos y artistas.

A la hora de mirar hacia atrás en la historia de las cosas, el historiador que utiliza metáforas biológicas no es útil. “La finalidad no tiene cabida en la biología, pero la historia no tiene sentido sin ella” (8). Kubler eligió la expresión “historia de las cosas” con la intención de volver a unir los objetos con sus ideas. El objetivo del historiador es “identificar y reconstruir” problemas, acciones y soluciones. “Siempre podemos estar seguros de que toda cosa hecha por el hombre surge de un problema como solución intencionada” (8). En La forma del tiempo, Kubler considera todos los objetos fabricados por el hombre con la idea de que todo se inventa por deseo y necesidad humana.

Comentarios sobre arte y artesanía

La combinación de niños traviesos y obras de arte de valor incalculable puede parecer un campo de minas, una idea a la que me he enfrentado cuando he visitado el museo con mis propios hijos, tan encantadores como destructivos. Sin embargo, a lo largo de mis quince años como educadora de museos, he llegado a creer firmemente que los niños son espectadores ejemplares de los museos y los mejores compañeros posibles para mirar el arte.

“¿Mamá, la gente hace pipí en ese orinal?”, pregunta mi hijo de 4 años al echar un vistazo a la famosa Fuente ready-made de Marcel Duchamp (arriba). No es tan sofisticada como la definición de arte de la joven visitante Annyla (“El arte es sólo tus sentimientos en papel”, publicada en nuestras galerías), pero es una pregunta legítima, especialmente cuando se trata de Duchamp, que imagino que estaría encantado con la sugerencia.

Desde el punto de vista de un adulto, las cosas que dicen los niños -sobre el arte o sobre cualquier cosa- son a menudo hilarantes en su franqueza y adorables en su inocencia. Pero también son veraces, perspicaces, curiosas y reflejan su mundo. Los niños suelen dar voz a las preguntas que los adultos se hacen pero que difícilmente pueden articular. Los niños son un ejemplo de apertura a la hora de responder al arte, con una inmediatez que no se ve afectada por las construcciones del mundo del arte (“¿Cuánto vale esto?”, pregunta siempre mi marido) ni por el conocimiento del canon esotérico de la historia del arte.

Historia del arte

Cuando George Washington presidió la convención de 1787 que dio origen a la Constitución, se sentó en una silla diseñada por el fabricante de muebles de Filadelfia John Folwell. Tallada en caoba y rematada con la imagen de medio sol, llamó la atención de los redactores. La ambigüedad del sol parecía representar el resultado incierto de los debates. Como se supone que dijo Benjamín Franklin: “A menudo, en el curso de la sesión y en las vicisitudes de mis esperanzas y temores sobre su resultado, he mirado ese [sol] detrás del Presidente sin poder decir si estaba saliendo o poniéndose: Pero ahora, por fin, tengo la felicidad de saber que es un sol naciente y no un sol poniente”. Esta resolución optimista parece encajar con una visión del nacimiento de los Estados Unidos como una empresa especial y emancipadora. Después de todo, Folwell incluso puso una gorra de la libertad (símbolo de un esclavo liberado) sobre el sol. Pero, como señala Eric Slauter, Folwell también fabricó la silla con caoba cosechada por los esclavos en Centroamérica y las Indias Occidentales. El material socava la embriagadora retórica de la silla, y cualquier análisis histórico del arte de los objetos asociados a la Revolución Americana debe tener en cuenta que la nación se fundó sobre las lógicas y prácticas del racismo y la esclavitud.

Comentarios del boletín de notas de arte

Una vez más, Banksy ha dado un paso adelante, mostrando su apoyo al movimiento Black Lives Matter, tras la muerte de George Floyd en Estados Unidos. Banksy es tan activista político como artista. Su última obra pone de relieve el racismo, sobre el que ha dicho en un comunicado: “Al principio pensé que debía callar y escuchar a los negros sobre este tema. Pero, ¿por qué iba a hacerlo? No es su problema, es el mío”.

A lo largo de los últimos 100 años, los artistas han protestado abiertamente sobre temas que van desde los derechos LGBTQ+ y el feminismo hasta la igualdad de salarios y el antirracismo. Las obras de arte de protesta pueden cuestionar, perturbar e incluso cambiar el statu quo. Silencio = muerte se convirtió en el lema de Keith Haring para la concienciación sobre el SIDA en los años 80. Las Guerrilla Girls han luchado por la representación de las mujeres artistas en las galerías. Ai Wei Wei habla contra el gobierno chino.

Antes de ver 11 ejemplos significativos, tomemos un momento para entender la naturaleza misma del arte de protesta. El filósofo del siglo XX Theodor Adorno escribió que “todo arte es un crimen no cometido”. Lo que quería decir era simplemente que, por su propia naturaleza, el arte desafía el statu quo. A lo largo de la historia, los artistas han reaccionado contra la opresión, la violencia, la injusticia y las desigualdades. Han defendido a los sin voz y a los marginados. El arte de protesta desafía los límites tradicionales, las jerarquías y las reglas impuestas por los que tienen el poder. Es un acto de desafío. Y es enormemente importante, ya que puede influir en la forma de pensar del público en general, así como de los líderes y los políticos. A menudo las imágenes hablan más fuerte que las palabras. El arte puede hacer que un mensaje sea accesible y universal.