Caracteristicas del renacimiento pintura

Contenidos

Alto renacimiento
Literatura del Renacimiento
Los artistas renacentistas más famosos
El realismo en el arte renacentista

Alto renacimiento

(1) Un renacimiento reverente de las formas y estilos del arte clásico griego/romano; (2) Una fe en la nobleza del hombre (humanismo); (3) El dominio de las técnicas pictóricas ilusionistas, que maximizan la “profundidad” en un cuadro, incluyendo: la perspectiva lineal, el escorzo y, más tarde, la cuadratura; y (4) El realismo naturalista de sus rostros.

7 Características del arte del Renacimiento El Renacimiento supuso la resurrección de los ideales humanos. El Renacimiento trajo la resurrección del naturalismo. Los artistas del Renacimiento añadieron su originalidad a sus oficios. Los artesanos del Renacimiento representaron temas no religiosos. El arte del Renacimiento era exclusivo.

Las 5 características principales del arte renacentista que cambió el mundo Una voluntad positiva de aprender y explorar. La fe en la nobleza del hombre: el humanismo. El descubrimiento y el dominio de la perspectiva lineal. Renacimiento del naturalismo. El laicismo. 10 cuadros famosos de Paul Signac. Las 50 obras de arte público más fascinantes del mundo.

El Renacimiento fue un ferviente periodo de “renacimiento” cultural, artístico, político y económico de Europa tras la Edad Media. Generalmente descrito como que tuvo lugar desde el siglo XIV hasta el XVII, el Renacimiento promovió el redescubrimiento de la filosofía, la literatura y el arte clásicos.

Literatura del Renacimiento

Durante el Renacimiento, los pintores abrazaron el clasicismo (simplicidad, equilibrio, claridad; véase Estética occidental) y el realismo físico. El Renacimiento temprano (liderado por Florencia) fue el periodo de formación de este enfoque; en otras palabras, fueron los artistas del Renacimiento temprano quienes desarrollaron y refinaron inicialmente las técnicas del clasicismo y el realismo físico. Una vez establecida esta base, la cima del clasicismo se alcanzó en el Alto Renacimiento (liderado por Roma). Durante el Renacimiento tardío (que no tuvo ningún líder en particular, aunque tanto Florencia como Roma siguieron siendo fuerzas primarias), el severo equilibrio y la simplicidad del Alto Renacimiento se relajaron, presagiando la era del Barroco.

Una de las principales tendencias del arte del Renacimiento tardío fue el manierismo: la búsqueda deliberada de la novedad y la complejidad. En la pintura, el manierismo implicaba la distorsión de las formas físicas (por ejemplo, la anatomía humana alargada), el colorido y la iluminación antinaturales, la disposición de las figuras en poses complejas y una composición algo desequilibrada e inquieta (frente a la composición equilibrada y estable del clasicismo puro).23 El manierismo, liderado conjuntamente por Florencia y Roma, era por tanto bastante artificioso y artificial (es decir, “amanerado”), de ahí su nombre. Aunque sólo una parte de los artistas del Renacimiento tardío pertenecían a este movimiento, las características del manierismo (y su pura voluntad de “romper las reglas”) tuvieron una gran influencia.

Los artistas renacentistas más famosos

Este artículo sobre la evolución de los temas en la pintura italiana del Renacimiento es una extensión del artículo Pintura italiana del Renacimiento, para el que proporciona imágenes adicionales con comentarios. Las obras abarcadas van desde Giotto a principios del siglo XIV hasta el Juicio Final de Miguel Ángel de la década de 1530.

Los temas que preocupaban a los pintores del Renacimiento italiano eran tanto la temática como la ejecución, es decir, lo que se pintaba y el estilo con el que se pintaba. El artista tenía mucha más libertad de tema y de estilo que el pintor medieval. Algunos elementos característicos de la pintura renacentista evolucionaron mucho durante el periodo. Entre ellos se encuentra la perspectiva, tanto en lo que se refiere a la forma de conseguirla como al efecto que se aplica, y el realismo, sobre todo en la representación de la humanidad, ya sea como elemento simbólico, retrato o narrativo.

La Flagelación de Cristo, de Piero della Francesca (arriba), muestra en una única y pequeña obra muchos de los temas de la pintura italiana del Renacimiento, tanto en lo que se refiere a los elementos compositivos como a la temática. El dominio de Piero de la perspectiva y la luz es evidente. Los elementos arquitectónicos, incluido el suelo de baldosas que se complica en torno a la acción central, se combinan para crear dos espacios. El espacio interior está iluminado por una fuente de luz invisible hacia la que mira Jesús. Su ubicación exacta se puede precisar matemáticamente mediante un análisis de la difusión y el ángulo de las sombras en el artesonado. Las tres figuras que se encuentran en el exterior están iluminadas desde un ángulo diferente, tanto por la luz del día como por la luz reflejada por el pavimento y los edificios.

El realismo en el arte renacentista

El arte del Alto Renacimiento fue el estilo dominante en Italia durante el siglo XVI. El manierismo también se desarrolló durante este periodo. Tradicionalmente se considera que el periodo del Alto Renacimiento comienza en la década de 1490, con el fresco de La Última Cena de Leonardo en Milán, y termina en 1527, con el Saqueo de Roma por las tropas de Carlos V. Este término se utilizó por primera vez en alemán (“Hochrenaissance”) a principios del siglo XIX. En los últimos 20 años, el uso del término ha sido criticado con frecuencia por los historiadores del arte académicos por simplificar en exceso la evolución artística, ignorar el contexto histórico y centrarse sólo en unas pocas obras icónicas.

El arte del Alto Renacimiento se considera “alto” porque se considera el periodo en el que los objetivos artísticos del Renacimiento alcanzaron su máxima aplicación. El arte del Alto Renacimiento se caracteriza por sus referencias al arte clásico y por la delicada aplicación de los desarrollos del Primer Renacimiento (como la perspectiva puntual). En general, las obras del Alto Renacimiento muestran una belleza contenida en la que todas las partes están subordinadas a la composición cohesiva del conjunto.